《休戚与共》 240×200cm 纸本设色 罗玉鑫
《红云》 220cm×200cm 纸本设色 罗玉鑫
《和光》 235cm×165cm 纸本设色 罗玉鑫
罗玉鑫
作为广州画院专职画家，罗玉鑫的艺术创作融合了传统工笔画的精妙技法与现代审美理念，形成了独具特色的艺术语言。她的作品以独特的视角和表现手法，创造出既空灵飘逸又富有当代气息的视觉效果。作品清润淡雅，充分发挥水墨晕染的含蓄之美，意境营造上在保留传统花鸟画审美意趣的同时，折射出现代人对自然的独特观照。
2024年，罗玉鑫中国画作品《休戚与共》获得第四届中国美术奖中国画金奖，这一成就备受艺术界瞩目。这是全国美展创设七十五年来，广东首次获中国画金奖殊荣。近期，罗玉鑫还受聘担任第十五届全国运动会和残特奥会开幕式特别顾问，她始终强调艺术家应当肩负社会责任，通过艺术创作传递积极向上的正能量。
在艺术探索的道路上，罗玉鑫持续思考着中国画如何在当代语境中实现创新表达，如何让绘画真正触及观者的心灵并传递观念。
在广州画院那间窗明几净的工作室，罗玉鑫接受了广州日报记者专访，其间，窗外时有白鹭飞过，恰如其分地诠释了她作品中追求的人与自然和谐共生的美学理念。
广州日报全媒体记者陈运成
广州日报：您前不久受聘为十五运会和残特奥会开幕式特别顾问，近期也常受邀参加各种艺术讲座，你认为艺术家应该承担怎样的社会责任？
罗玉鑫：为打造一场展现中国精神与岭南特色的十五运会和残特奥会开幕式，广州赛区执委会特别聘请了艺术、非遗、文史等领域的专家担任顾问。作为一名广州人，能够为此贡献自己的一份力量，我感到十分荣幸。
我认为，承担社会责任是艺术家不可或缺的使命，否则很难真正体现艺术的时代价值。虽然画家日常是在画室里独自创作，表达个人内心的感受，但最终作品是要面向公众的。作品能否引发观众共鸣，正是检验艺术家社会担当的重要标准。
作为花鸟画家，我的创作始终致力于传达人与自然和谐共生的理念，倡导生物多样性保护。作品促使我们反思：人类应当如何与动物和平共处，如何实现与生态系统的和谐共生。
广州日报：您的作品《休戚与共》获得第四届中国美术奖中国画金奖，体现的也是环境保护的理念？
罗玉鑫：《休戚与共》是我历时十年创作的系列作品之一，其核心理念始终围绕着人与自然和谐共生这一主题。通过描绘大型野生动物和濒危物种，我希望唤起公众的环保意识。作为广州画院的专职画家，我始终坚持这样的创作理念：艺术家的社会责任就是要用作品传递积极向上的价值观，通过艺术回馈社会，在实现社会价值的同时也体现自我价值。
广州日报：这次获奖经历对您以后的艺术生涯有什么影响？
罗玉鑫：我的作品能引起观众的共鸣以及得到长辈们和评委们的认可，让我更加坚定了未来的创作方向和信心。作为花鸟画家，我们一直面临一个困惑：如何通过传统花鸟画题材来表现社会民生、体现时代主题？毕竟在全国美展中，花鸟画作品获奖的比例很小。那么，我的获奖对花鸟画创作群体来说是一个很大的鼓励——原来花鸟画同样可以成为主题创作的载体。这次全国美展上，我看到有画家描绘南极企鹅、北极熊等题材，这说明当代画家的视野正在不断拓展，创作题材也越来越多元化。值得欣喜的是，评委们的审美标准也在与时俱进。这种变化鼓励我们以更开放、更创新的态度进行创作。
广州日报：工笔画作为传统艺术样式，怎样走入当代艺术行列？
罗玉鑫：传统工笔画本质上是一种绘画技法，而当代艺术的核心价值在于思想维度的提升。当代艺术作品可能呈现抽象形态，但其思想体系是完整的，创作思维始终指向人的内心世界。传统工笔画往往过于注重技法与造型，当技法服务于造型完成后，创作也就止步于此，缺乏更深层次的思想探索。我的创作实践就是在传统与当代之间寻找平衡——既要提升思想高度，又要保留笔墨技法；既追求技法深度，又注重笔墨趣味。
对于美术爱好者，我建议在打好基础后，应该多研读哲学和美学著作，主动寻求新的艺术观念。艺术创作需要不断自省，主动思考，而非被动表达。同时我也注意到，一些当代绘画虽然有思想的深度，但技法表现力不足，导致作品显得单薄。只有实现思想观念与技法表达的完美融合与平衡，方显艺术之魅力。
广州日报：AI技术的发展对于绘画产生了一定的冲击，作为艺术家，如何规避被取代的风险？
罗玉鑫：AI确实很厉害，但在我看来，AI生成的画面还是略显僵硬。它很难完全替代人的审美，因为每个人的审美都是独特而不可复制的。
艺术最终要回归到审美本身——一个画家水平的高低，本质上取决于其审美能力的高低。那么审美从何而来？它能否被系统整理和归纳呢？
其实，每个人的审美形成过程都极其微妙而精密。从出生那一刻起，我们就带着与生俱来的独特审美倾向。这种审美受到诸多因素的影响：第一眼看到的世界、第一口母乳的味道、父母的言传身教、出生地的文化氛围、居住环境的风格、父母潜移默化的审美，以及后天接受的教育等等。正是这些千差万别的生命体验，造就了每个人独特的审美体系。
这种源于生命体验的审美独特性，是AI难以通过算法完全计算和模拟的。AI可以成为艺术创作的强大辅助工具，但最重要的是艺术家要深入了解并坚守自己独特的审美特质，这才是避免被AI取代的关键。
AI的优势在于其严谨的算法几乎不会出错，但人类最珍贵的能力恰恰在于能够在不断地试错中获得成长——这种在探索中进步的特质，正是AI无法替代的。
广州日报：您曾到中国艺术研究院攻读博士，这段学习经历对你的艺术生涯产生什么影响？
罗玉鑫：作为土生土长的广州人，我的艺术根基深深扎在这片土地上。在广州美术学院国画系完成本科和硕士学业期间，我有幸师从方楚雄教授。方老师不仅培养了我扎实的造型能力、工写兼备的笔墨技巧和审美品位，他温文尔雅的人格魅力更对我的艺术观产生了深远影响。毕业后，我进入广州画院工作，在此之前，我的艺术视野主要局限于广州这个艺术圈内。虽然广州的艺术氛围十分活跃，但不可避免地存在一定的地域局限性。
在长期的创作实践中，我逐渐感受到某种程式化思维的束缚，渴望突破却始终找不到方向。直到有幸结识中国艺术研究院的姜宝林教授，他的“既要笔墨又要现代”的艺术理念深深触动了我，这很契合我当时想要表达的东西，这似乎为中国画在当代的发展找到了一个突破口。
成为姜宝林教授的博士生后，我在北京的学习经历彻底打开了我的艺术视野。大量地读书、看展览、听讲座。因为当时中国艺术研究院的博士是以美术学为主，接触了很多理论的老师，其间我系统地研读了中西美术史理论，更重要的是接触到了许多前沿的当代艺术展览。这些高水平的艺术实践给了我很大启发，让我开始思考中国画跨界发展的可能性。
我逐渐认识到，当艺术家解决了造型、笔墨等基本问题后，作品能否触及人心、传递观念，才是绘画艺术的真正价值所在。
广州日报：您希望自己的作品能够给观众带来怎样的影响？是否满意对工笔画家的身份认定？
罗玉鑫：中国画的分类体系很复杂，按题材可分为山水、人物、花鸟；花鸟又细分为走兽、翎毛等；按技法又有工笔、写意之分。对普通观众来说，要准确区分这些类型确实很难，所以他们怎么称呼我都无所谓，我完全不会介意。我更看重的是师长和同行们的评价，因为他们的评价可以促使我去成长，他们的专业眼光能帮助我发现自身的不足，促使我不断进步。正所谓“旁观者清”，这些反馈常常引发我的自我反思：我的创作是否存在局限？还有哪些需要突破的地方？
在北京的学习经历让我深刻认识到：艺术家要打开格局，思维宽广一些，艺术创作必须突破固有框架。不能将自己局限于“花鸟画家”这样的标签，甚至不能仅仅局限于绘画本身。只有打开思维格局，才能进入更广阔的艺术天地。
广州日报：请您谈一谈对中国绘画中的写意性理解。
罗玉鑫：工笔与写意只是两种不同的技法形式，并非评判画作优劣的标准。这两种技法在中国画史上都源远流长，工笔画作为中国画的传统的历史甚至可以追溯到更早。作为画家，内心要有自己的艺术判断。
我认为，无论是工笔、写意还是油画，任何画种都应该追求“写意性”——这个“写意”是动词，是通过绘画语言来传达内心意境的过程。它超越技法层面，重在表现生命的意趣，触动观者的心灵。在我的讲座中，我始终强调：艺术创作要重视写意精神，避免过度制作和雕琢。保持画面的纯净与松弛感，让观者感受到轻松愉悦。如果画家创作时过于辛苦，观众欣赏时也会感到疲惫。
因此，我的创作常常采用“减法”，画面点到为止，追求恰到好处的表达。这就像人际交往中的“君子之交淡如水”，需要把握分寸。正如我在某社交平台的签名所说：“刚刚好，才是最大的智慧。”
罗玉鑫，号悦心，女，1982年生于广州。本硕毕业于广州美术学院中国画学院，师从方楚雄教授。博士毕业于中国艺术研究院美术学系，师从姜宝林教授。
现为广州画院专职画家，一级美术师，中国美术家协会会员，中国工笔画学会青年艺委会委员，广东省美术家协会会员，广州市美术家协会会员，李可染画院研究员，广东省中国画学会理事，广东省女画家协会理事，华南师范大学硕士研究生校外导师。
作品入选第十一届全国美展、第十三届全国美展暨进京作品展、第十四届全国美展并获第四届“中国美术奖”金奖。
